デザイナー 皆川明/ミナペルホネンの経歴や店舗の場所を調査！放送の見どころ｜新美の巨人たち（1月17日放送予定）

放送で話題！皆川明が目指す「100年続く」ミナペルホネンの哲学とは

今回の放送で最も視聴者の心に深く刺さったのは、皆川明さんが静かに、しかし力強く語った「せめて100年つづくブランドに」という言葉です。流行が目まぐるしく移り変わり、数ヶ月で「型落ち」となって廃棄されることも珍しくないアパレル産業において、この「100年」という時間軸を持つことは、ある種の革命であり、強い覚悟の表れとして紹介されました。

皆川さんのこの哲学は、単なる理想論やキャッチコピーではありません。ブランドのあらゆる意思決定の「絶対的な指針」となっています。例えば、一般的なブランドが「次のシーズンに売れる色」を探すのに対し、ミナ ペルホネンでは「100年後の人が見ても美しいと感じるか」を基準に図案を描き、布を織っています。放送では、皆川さんが「自分がいなくなった後の世界」を常に想像しながらデザインしている様子が映し出されました。私たちが手にした一着の服が、着る人の人生に寄り添い、やがてヴィンテージとなり、親から子へ、あるいは古着として見知らぬ誰かへと受け継がれていく。その長い旅路に耐えうる「強度」と「普遍性」を持たせることこそが、彼の使命なのです。

番組内では、この思想を「駅伝」に例える印象的な場面がありました。皆川さんは自身のことを、ブランドの創業者でありながら、あくまで「第一走者」に過ぎないと位置づけています。「自分が走っている間は、誰よりも速く、美しく走る努力をする。しかし、いつかは次のランナーにタスキを渡す時が来る」。そのタスキこそがブランドの哲学であり、デザイナーが変わっても揺るがない「ミナらしさ」の源泉なのです。カリスマデザイナー一代で終わるブランドが多い中で、組織そのものが永続する仕組みを作ろうとする姿勢に、視聴者からは「経営者としての視座の高さに驚いた」「自分の仕事や人生においても、このタスキを意識したい」という深い共感と尊敬のコメントが多数寄せられました。

【経歴】魚市場でのバイト生活から世界的デザイナーへ

今や世界中に熱狂的なファンを持ち、北欧の家具ブランド「フリッツ・ハンセン」や青森県立美術館のユニフォームデザインなど、多岐にわたる活躍を見せる皆川明さん。しかし、その華やかなキャリアのスタート地点は、決して平坦なものではありませんでした。1967年東京生まれの皆川さんは、文化服装学院を卒業後、1995年に自身のブランド「minä（現：ミナ ペルホネン）」をたった一人で設立しました。しかし、当時は全くの無名デザイナー。バイヤーに見向きもされず、展示会を開いても注文が入らない日々が続きました。

ここで番組がスポットを当て、多くの視聴者を驚愕させたのが、ブランドを維持するために皆川さんが選んだ「魚市場での肉体労働」という選択です。資金が底をつきかけていた彼が選んだのは、デザインの仕事で小銭を稼ぐことではなく、全く畑違いの築地市場（当時）でのアルバイトでした。その生活スケジュールは壮絶の一言に尽きます。

夜明け前の午前3時頃に起床して市場へ向かい、凍ったマグロの運搬や加工作業という過酷な肉体労働を正午までこなす。そして、魚の匂いを洗い流して着替えた後、午後からアトリエに入り、深夜までデザインや縫製に没頭する。睡眠時間はわずか数時間。この二重生活を、なんとブランド設立から数年間も続けていました。「なぜ、そこまでして？」という問いに対し、皆川さんは「生活のために、自分の作りたいものではない服を作りたくなかった」と振り返ります。市場で得た賃金の多くは、生活費ではなく、こだわりのテキスタイルを作るための高価な糸代や織り代に消えていきました。

私たちが現在目にする、繊細で優しい刺繍や、柔らかな色使いのテキスタイル。その裏側には、「氷点下の市場で鍛えられた不屈の精神」と「妥協を許さない美への執念」が隠されています。放送直後、「ミナの服が決して安くない理由が分かった。そこには皆川さんの命が削られた時間と、職人への正当な対価が含まれているからだ」と納得する声が多く挙がりました。単なる「おしゃれなブランド」という認識が、「人生を賭けたドキュメンタリー」へと変わった瞬間でした。

代表作「タンバリン」のドットが不揃いである感動的な理由

ミナ ペルホネンを象徴する図案といえば、誰もが真っ先に思い浮かべるのが「tambourine（タンバリン）」です。小さな丸い刺繍が連なり、大きな円を描くこのデザインは、2000年の発表以来、服、バッグ、インテリア、さらには食器に至るまで、ブランドの顔として君臨し続けています。しかし、このドット、実は完璧な「正円」ではないことをご存知でしょうか。

番組では、この図案が描かれた瞬間の秘密が詳細に明かされました。皆川さんはこのドットを、定規やコンパスといった製図道具を一切使うことなく、あえて「フリーハンド」で一つひとつ描いています。そのため、近くで凝視すると、ドットの形は少しずつ歪んでおり、粒の大きさや間隔も微妙に異なります。この「不揃いさ」こそが、機械的な冷たさを排除し、見る人に安心感や生命感を与える「ゆらぎ」の正体です。

なぜ、あえて不揃いにしたのか。皆川さんは「自然界に全く同じ形のものは存在しない」と語ります。私たちの体も、森の木々も、野に咲く花も、全てが唯一無二の形をしています。その「自然の摂理」を図案に落とし込むことで、私たちの本能に深く響く美しさが生まれるのです。しかし、このアイデアを形にするのは容易ではありませんでした。工場に依頼した当初、職人たちは「データ通りにきれいな円を刺繍すること」こそが正義だと考えていたため、あえて歪んだデータを渡されたことに困惑し、一度は断られたといいます。

それでも皆川さんは諦めず、「この不完全さが、人の手に馴染む温かみになる」と説得を続けました。現在では、工場の職人たちがその意図を深く理解し、「マジックペンのインクの滲みや、手の震えさえも忠実に再現する刺繍技術」が確立されています。放送では、最新鋭の刺繍機が規則正しく動きながらも、どこか人間味のある表情を作り出す様子が映し出され、視聴者はその「緻密に計算された不完全さ」に感銘を受けました。タンバリンの円が25個のドットで構成されていること、その一つひとつが違う顔をしていること。これを知った上でアイテムを手に取ると、今までとは全く違う愛おしさが込み上げてくるはずです。

【店舗の場所】放送に登場した「elävä（エラヴァ）」と代官山・京都の聖地

放送を見て「あの静謐で温かい空間を自分の目でも確かめたい」「画面越しでも伝わってくる木の香りを実際に感じてみたい」と、居ても立っても居られなくなった方は多いはずです。番組内で特に時間を割いて詳細に紹介されたのは、東京・東神田に位置する「elävä I（エラヴァ ワン）」と「elävä II（エラヴァ ツー）」でした。ここは、単に洋服を売るための「ショップ」という枠組みを完全に逸脱した、まさにミナ ペルホネンの思想そのものが具現化した「心臓部」ともいえる聖地です。

店名の「elävä」とは、フィンランド語で「暮らし」や「生きている」ことを意味します。その名の通り、店内には最新のコレクションが並ぶ一方で、北欧を中心としたヴィンテージ家具、日本各地の作家が手掛けた美しい器、さらには産地直送の無農薬野菜やこだわりの調味料までもが、まるで以前からそこにあったかのように美しく陳列されています。「なぜ、ファッションブランドが野菜を売るのか？」という疑問に対し、皆川さんは「健やかな暮らしには、身に纏うものだけでなく、口にするものや日常で使う道具も同様に大切であり、それら全てが繋がって『生活』になるから」と語ります。放送では、古いビルをリノベーションした店内に射し込む柔らかな光や、使い込まれた床の質感などが丁寧に映し出され、SNSでも「まるでお店そのものが一つの芸術作品のよう」「ここに行けば心が整う気がする」と大きな話題になっています。

また、長年のファンの間で絶対に外せない「聖地」として知られているのが、代官山にある旗艦店や、京都の目抜き通りに佇む昭和初期のレトロな洋風建築（寿ビルディング）を丸ごとリノベーションした京都店です。どの店舗にも共通しているのは、効率的な陳列や購買への誘導といった商業的なノイズが一切ないこと。その土地が持つ歴史や、建物が刻んできた時間を何よりも大切にしており、一歩足を踏み入れるだけで、都会の喧騒を忘れさせる不思議な静けさに包まれます。

特筆すべきは、番組でも触れられた「スタッフの質」です。ミナ ペルホネンの店員は、単に商品を売るだけでなく、テキスタイル一つひとつに込められた物語や、素材の特性、長く使うためのケア方法までを熟知した「伝道師」のような存在です。彼らとの会話を楽しむために店舗を訪れるファンも多く、放送直後は混雑が予想されますが、「時間を忘れて、ゆっくりとものと向き合える環境」を守るため、入店制限を行う場合もあることが判明しました。訪れる際は、時間に余裕を持って足を運ぶこと、そして出来れば平日の静かな時間に訪れることを強くおすすめします。

原点は19歳のフィンランド旅行？「一生モノのコート」のエピソード

皆川明さんのものづくりの根底に流れる「長く続く価値」への執着。その原点は、彼が19歳の時にたった一人で敢行したフィンランド旅行にありました。当時の皆川さんは、陸上の夢を絶たれ、将来への不安を抱える一人の学生に過ぎませんでしたが、冬の凍てつく北欧の地で、その後の人生を決定づける運命的な出会いがありました。それが、番組でも実物が紹介された「職人が手作りした厚手のコート」です。

そのコートは、当時の貧しい学生にとっては非常に高価な買い物であり、清水の舞台から飛び降りるような覚悟で購入したものでした。しかし、皆川さんはそのコートに「価格以上の価値」を見出していました。持ち主の体型に馴染み、何十年と修繕しながら着続けられる北欧の「一生モノ」の文化。それは、トレンドを消費しては捨て、翌年には新しいものを買う当時の日本のファッションシーンとは真逆の価値観でした。「自分も、誰かの人生に寄り添い、何十年後も愛される服を作りたい。流行ではなく、記憶に残る服を作りたい」。この時、心に灯った小さな火が、現在のミナ ペルホネンの設計図となったのです。

放送では、皆川さんが大切に保管している当時のスケッチや日記も公開されました。そこには、19歳の青年が感じた「美しさは時間に負けない」という確信が瑞々しい言葉で綴られており、今のタンバリン柄や、擦り切れても下から別の色が出てくる特別な生地（dopなど）の開発に直結していることが分かります。「新しいものが一番良い」という価値観ではなく、「時間を経たものが一番美しい」という価値観。私たちがミナの服を手に取る時、どこか懐かしく、そして絶対的な安心感を感じるのは、その一着に「時間の経過を肯定する」という皆川さんの優しい眼差しが込められているからに他なりません。放送を通じて、この原点を知った多くの視聴者が、「手元のミナのアイテムをもっと大切にしよう、育てていこう」と決意を新たにしていました。

ミナペルホネンの人気アイテムと購入方法（バッグ・食器・ハギレ）

『新美の巨人たち』を見て、皆川さんの哲学に触れ、「まずは身近な生活の一部にミナを取り入れたい」と思った方も多いでしょう。とはいえ、洋服は高価で手が出しにくいという声もあります。そこで特に注目を集めているのが、代表柄「タンバリン」をあしらった小物たちです。例えば、岐阜県多治見市の職人と共同開発された食器シリーズや、コロンとしたフォルムが愛らしい「エッグバッグ」は、ブランドの入門編としても非常に人気があります。これらは、日常のふとした瞬間に「ミナの世界」を感じさせてくれる魔法のようなアイテムです。

また、ハンドメイド愛好家の間で「宝の山」と呼ばれ、争奪戦となっているのが、テキスタイルを作る過程でどうしても出てしまう余り布、通称「ハギレ」の存在です。通常のアパレルメーカーであれば廃棄されてしまう端切れですが、代官山の「materiaali（マテリアリ）」などの店舗では、これらのハギレが丁寧にパッキングされ販売されています。

なぜハギレを売るのか。それは利益のためではありません。「たとえ数センチの端切れであっても、それは職人が丹精込めて作った芸術の一部であり、皆川さんが魂を込めて描いた図案の一部。決してゴミにはしない」という、皆川さんの「布への敬意」と環境への深い配慮がここにも表れています。このハギレを繋ぎ合わせて自分だけのバッグやクッション、くるみボタンなどを作る文化は、ファンの間で「ミナ・リメイク」として定着しており、放送後もSNSでは創意工夫に満ちた作品が次々と投稿されています。「消費する側」だった私たちが、ハギレを通じて「作る側」に回る。この体験こそが、ミナ ペルホネンが提供する最大の価値かもしれません。

まとめ：皆川明が描く「暮らしの美」は新美の巨人たちでも絶賛

今回の『新美の巨人たち』で特集されたデザイナー・皆川明さんと、ミナ ペルホネンの魅力。それは、単に「おしゃれで可愛いデザイン」という表面的なものではなく、「100年後の誰かを笑顔にする」という壮大な時間軸と、魚市場の下積み時代に培われた「不屈のクラフトマンシップ」の融合にありました。不揃いなドット、経年変化を楽しめる生地、そして物語のある店舗空間。その全てが、効率やスピードに追われる私たちの慌ただしい日常を、「そのままでいいんだよ」「ゆっくりでいいんだよ」と肯定してくれるような包容力に満ちています。

放送直後から大きな話題となっている「elävä」などの店舗や、象徴的な「タンバリン」柄のアイテム。これらを実際に手に取り、肌で感じることで、あなたの日常も少しだけ丁寧に、そして彩り豊かに変化していくかもしれません。皆川さんがタスキを繋いできた「100年続くブランド」の物語に、あなたも一人の走者（ユーザー）として参加してみてはいかがでしょうか。そこには、流行に流されない「自分だけの心地よい暮らし」が待っているはずです。正確な最新情報は、ミナ ペルホネンの公式サイトを随時ご確認ください。さて、あなたが次に手にする「一生モノ」は、どんな物語を連れてきてくれるでしょうか。